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Michael Bierut: 要让设计界以外的人们了解设计  [ 2015-10-25 | AD110·出色 ]
Michael Bierut(迈克·布雷特)是美国当下最具声望的平面设计师之一,他从 1990年 受邀成为Pentagram 五星联盟 合伙人以来,已经在Pentagram 五星联盟 工作二十多年。他 1980年 毕业于美国最古老的大学 University of Cincinnati,目前,他除了在Pentagram 五星联盟 的工作外,长期在 耶鲁大学 担任平面设计学硕士生导师。Michael Bierut 的作品获奖无数,亦多次担任全球各个国际设计竞赛评审,其作品也获众多文化、艺术、设计博物馆收藏。

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Michael Bierut 今年获得了 纽约视觉艺术学院授予第二十七届年度大师系列奖(Annual Masters Series Award)。为庆祝此次获奖,学院特别在纽约的 Chelsea 画廊举办了Michael Bierut 个展,展览从2015年10月初至11月7日结束。

展览期间Michael Bierut 的新书
“How To Use Graphic Design To Sell Things, Explain Things, Make Things Look Better, Make People Laugh, Make People Cry, And (Every Once In A While) Change The World”《如何用平面更好地推销、表达、美化产品,如何打动顾客的情绪并时不时地改变世界》
同时发行,新书发行时,意大利设计媒体 designboom 与其就展览、新书等一系列问题进行了对话。而在即将发行的Brand 7Michael Bierut 自称为职业生涯最长、最详尽的一次访谈也即将闪亮登场!

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能不能向我们介绍一下本次展览的成因——大约是从何时开始酝酿的?
2014年3月,我得知自己被视觉艺术学院选为当年也是历史上第27位大师系列奖的获得者。作为获奖的条件之一,我需要做一次公开的陈述,对此我并不害怕,而真正令我胆怯的,是我必须还要举办一场公开展览。我有大约一年半的时间来准备此次展览。当然,像往常一样,大约六个月之前,准备过程才开始提上日程。非常幸运的是,Pentagram 的档案管理员们十分能干,他们让我收集和准备材料的过程变得十分容易,如果没有他们,结果可能会大不相同。

挑选参加本次展览作品的标准是什么?
视觉艺术学院“大师系列奖”的目标之一,就是要让设计界以外的人们了解设计。所以在挑选作品时,我想尽可能地选择那些像停车标志和百货公司购物袋这种可能会令人们感到兴趣的东西,尽管他们并不知道什么是设计,也不知道这些东西究竟是怎么做出来的。 

展览在内容和编排背后所围绕的概念是什么?
学院的Chelsea画廊共有四间展室,我对本次展览的构思,就是基于这样的格局。第一间展室,也是最大的一间展室,用来展示我在纽约创作过的作品。我们非常幸运地得到了许多全尺寸实物,比如我们为纽约运输局(NYC Department Of Transportation)所作的大型城市导向系统标识。我们还重制了许多为纽约时代大厦和布鲁克林音乐学院歌剧院所涉及的巨型标识,同样是1比1的原物大小。
 
第二间展室讲述了标识产生的过程,我头一次在那里将过去三十多年所积累的作品手稿展示于众。它们记录了作品在进入公众视线之前的复杂过程。许多观众都说,这些手稿是整场展览中最受他们喜爱的部分。
 
第三间展厅则介绍了我个人或是与其他建筑师合作的建筑作品,包括两件我参与时间最长的作品:1982年起我为纽约建筑联盟所创作的作品,以及15年间我为耶鲁建筑学院所创作的系列海报。展品中共有80余幅为耶鲁所做的海报,同样是第一次公开展示。第四间也是最后一间的主题主要围绕品牌识别,以及大量带有实际应用的Logo示例。

新书同展览同时推出是否巧合?两者间有没有什么相互的关联?
我早就想做一本这样的选集,但总是因为客户的关系一再推托。当得知自己受邀策办这场展览时,也算是帮我下定了决心。我和Thames & Hudson 与Harper Design出版公司一起决定将这本书的出版日期定在展览的同一天。两者之间的内容或有重复,但多少又有些不同。

这本书的内容是否建立在过去您所写过的对于设计的认识基础之上?
关于设计这个话题,我写过很多与之有关的东西,但却很少谈论自己的作品。在这本书中,我希望能够用一种诚实的方式来表现,考虑到书中收录了大约三十件作品的构思与创作过程,我希望不会让人们感到无聊。所以在选择作品时,我尽量选择那些背后有着有趣故事的对象,希望让其他的设计师和普通读者们能够从中得到共鸣。我的目标是根据自己这些年的经验,尽可能多地告诉人们设计师工作的方式,以及设计存在的价值与意义。

此次新书和个展的同时发布,你觉得最大的回报是什么?
我很高兴从自己的作品中看到那些往日与之一同工作的人们的身影。在设计学院时,我们都认为设计是一种个人的行为:毕竟总的来说,最后完成学业得到学位证书的人是你自己。但在现实世界中,想要真正实现自己想法的唯一方式就是与别人打交道。在这些其他人里——包括我的客户、老板、同事和搭档们,许多都在工作上与我有着几十年的交情,他们才是这本新书和这次展览能够实现的原因。与这些了不起的人们合作,就是我最大的回报。

用这种方式回顾自己的作品,你觉得哪些在变化上比较明显,哪些基本上还保持着原来的模样?
我发现从70年代至今,我的作品在风格上保持着惊人的一致。我觉得和笔迹一样,这种东西很难改变。唯一改变的只有作品背后不同的思考方式。在形式构成方面的过程对我来说已经变得比过去容易,而与我一起共事的设计师们的才能也与日剧增。这也让我得以空出时间,像字与字间的间距一样,把心思放在更高层次的策略思考上去。

作为自己职业生涯的一次总结,今后有没有给自己定下什么新的方向?
我觉得把作品像这样集中展示出来是一个放下过去,重头开始的好方法。虽然不知道这样是否可行,但我非常乐意做出尝试。也许有些怕人,却也非常令人振奋。

10月22日,Michael 还在位于海港文化区(Seaport Culture District)的 Harpercollins 读书会举办一场别开生面的谈话会。他结合自己的创意经历,就设计的重要性问题展开一场生动的论述。详情:How Design Inspires

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